Классическая музыка

1 мec.

радио Реакторкомпозиторантонин дворжакКлассическая музыкасимфонияромантизм1893Чехия

Антонин Леопольд Дворжак и музыка из Нового света.

Добрый вечер.

В эфире снова радио Реактор и наш сегодняшний гость из Чехии.

Антонин Дво́ржак (Antonín Leopold Dvořák; 8 сентября 1841 года — 1 мая 1904 года) — чешский композитор, представитель романтизма.

Антонин Дворжак, композитор, задумчиво смотрит в сторону, олицетворяя свою роль в формировании классической музыки через свои симфонии.,радио Реактор,композитор,антонин дворжак,Классическая музыка,симфония,романтизм,1893,Чехия,страны

Антонин Леопольд Дворжак появился на свет 8 сентября 1841 года в деревне неподалеку от замка Нелагозевес в семье мясника. По национальности его родители были чехами. В семье высоко ценились традиции родной страны. Его отец держал трактир, работу в котором успевал совмещать с основной деятельностью. В минуты досуга он любил играть на цитре. Так Антонин познакомился с музыкой.

Взрослея, мальчик приобщался к работе взрослых, помогал в развитии семейного дела, но его сердцем завладел интерес к мелодике. В 6 лет родители определили сына в школу. Помимо грамоты и вычислений, его научили и музыкальным азам. Первым педагогом мальчика стал Йозеф Шпиц, служитель церкви. Антонин избрал первым инструментом скрипку и спустя 2 года уже развлекал посетителей отцовского трактира лирическими мелодиями. Дворжак также солировал на службах в церкви.

В 9 лет он завершил обучение в школе и был отправлен в городок Злоницы. Здесь Антонину предстояло учиться на мясника. Мальчик жил у дяди, который определил племянника в школу с изучением немецкого языка. Кантор Антонин Леман был педагогом класса. Он заметил творческие способности подростка и начал давать ему уроки игры на фортепиано и органе.

Юный Дворжак совмещал тяжелую работу на бойне с вдохновляющими занятиями и в 1856 году получил документ для работы в качестве подмастерья. К тому моменту вся его семья переехала в Злоницы, и отец решил отправить сына на учебу в чешский Каменец. После этого Антонин стал учеником органной школы в Праге.

Первые профессиональные мечты юноши были связаны с работой органиста в костеле. Постепенно он знакомился с произведениями великих композиторов и все сильнее ощущал в себе силы к созданию значимых вещей. Изучив гармонию, построение фуг и прелюдий, контрапункт, музыкант оттачивал мастерство игры на струнных.

По завершении обучения в школе Дворжак мог стать сельским органистом, но остался в Праге. С 1850 года он работал альтистом в капелле Карела Комзака, а к 1862-му стал музыкантом оркестра «Временного театра». К 1866-му его главой стал Бедржих Сметана. Композитор исполнял произведения Ференца Листа, Гектора Берлиоза, Рихарда Вагнера, Михаила Глинки.

Загоревшись идеей об опере, Дворжак уволился из оркестра. Премьера долгожданного «Короля и угольщика» состоялась в 1874-м. Опера оказалась невероятно успешной, и, вдохновленный успехом, Дворжак начал писать с большим трудолюбием. На свет появились оперы «Ванда», «Упрямцы», «Хитрый крестьянин», а также произведения малого формата, в числе которых и «Моравские дуэты». Впоследствии творения были высоко оценены Иоганнесом Брамсом.

Несмотря на творческий подъем, этот период биографии Дворжака оказался непростым. Трое его детей скончались, что сказалось на творчестве. Автор переносил в произведения скорбь, печаль и тоску, которые испытывал из-за потери. Лишь к 1878 году он смог справиться с тяжелой утратой. Жена подарила ему дочь, и радостное событие настроило музыканта на позитивный лад.

Музыкальный издатель Фриц Зимрок заказал Дворжаку сборник пьес «Славянские танцы». Его выход ознаменовался восторженной реакцией критиков. Меломаны скупали ноты, а от издательств хлынул поток заказов. Антонин оказался востребованным. В пражской газете появился перевод хвалебной статьи немецкого критика, и на концерт Дворжака собралось огромное количество гостей. Успех был оглушителен.

Антонина Дворжака избрали членом клуба творческих деятелей «Умелецкая беседа», и он возглавил музыкальное направление этого союза. Так композитор стал выступать в роли члена жюри на музыкальных конкурсах. Популярность его стала баснословной. Ни один концерт не обходился без исполнения его произведений, а за творения автора предлагали огромные гонорары.

В 1884 году он получил приглашение в Великобританию, где также был тепло принят. В поездке Антонин познакомился с Петром Чайковским и после Англии посетил с гастролями Россию. Дворжака воспевали и здесь.

В 1901-м состоялась премьера знаменитой оперы «Русалка», вновь напомнившей о необъятном таланте автора. В числе последних произведений Дворжака, написанных перед смертью, оказалась и «Армида», которую автор закончил в 1904 году.

В 1873 году Антонин Дворжак вступил в брак. Его избранницей стала дочка ювелира Анна Чермакова. Личная жизнь начинающего музыканта складывалась удачно, но материальное положение супругов оказалось зыбким. В семье быстро появились дети. Чтобы обеспечить их, Дворжак работал органистом в церкви святого Войтеха.

Денег катастрофически не хватало, и композитор подал прошение о стипендии для малоимущих творческих деятелей. В составе комиссии, собранной для рассмотрения запроса, был и Брамс. Для подтверждения творческой деятельности Дворжак продемонстрировал судьям 3-ю и 4-ю симфонии.

Комиссия одобрила предоставление пособия. Его выдавали музыканту на протяжении 5 лет. Финансовая помощь оказалась очень кстати в трудный период, когда скончались маленькие дети супругов.

Антонин Дворжак умер 1 мая 1904 года. Причиной смерти стало кровоизлияние в мозг. Его могила находится в Праге на Вышеградском кладбище. Также в городе есть музей, посвященный жизни композитора.

Сегодняшняя наша музыка является последней симфонией А. Дворжака. Была написана в 1893 году во время пребывания композитора в США и основывается на национальной музыке этой страны. Она является самой известной его симфонией и принадлежит к наиболее часто исполняемым произведениям мирового репертуара. Премьера состоялась 15 декабря 1893 года в Карнеги-холле. В старой литературе обозначается как № 5.

Итак, в эфире радио Реактор Антонин Леопольд Дворжак и его Симфония № 9 ми минор «Из Нового Света», соч. 95, B. 178 (Z nového světa).

OP-01

2 мec.

радио Реакторпляска смертиФранциясредневековьекомпозиторКамиль Сен-Санс1874Классическая музыкаксилофон

Danse macabre и Op. 40

Добрый вечер.

В эфире снова пиратское радио Реактор и мы сразу перейдем к теме нашего эфира.

Пляска смерти — аллегорический сюжет изобразительного искусства и словесности Средневековья, представляющий собой один из вариантов европейской иконографии бренности человеческого бытия: персонифицированная Смерть ведёт к могиле пляшущих представителей всех слоёв общества — знать, духовенство, купцов, крестьян, мужчин, женщин, детей.

On the struc adio del bon curr non haurc pagare aquefo ballo'demer / Скелеты танцуют вместе с различными средневековыми фигурами, включая музыкантов и дворян, в изображении Пляски Смерти.,радио Реактор,пляска смерти,Франция,страны,средневековье,композитор,Камиль Сен-Санс,1874,Классическая музыка

Первые «Пляски смерти», появившиеся в 1370-х годах, представляли собой серии рифмованных девизов, служивших подписями к рисункам и живописным полотнам. Они создавались вплоть до XVI века, однако их архетипы восходят к древней латинской традиции.

Пляска смерти — род аллегорической драмы или процессии, в которой главным корифеем являлась смерть и которая некогда представлялась в лицах и часто изображалась в картинах, гравюрах и скульптурных произведениях на Западе Европы. В основании её содержания лежали идеи о ничтожестве человеческой жизни, ежеминутно угрожаемой кончиною, о мимолётности земных благ и несчастий, о равенстве всех и каждого пред лицом смерти, внезапно сражающей и папу, и императора, и последнего из простолюдинов, одинаково неумолимо уносящей и старца, и юношу, и новорождённого младенца. Подобные идеи коренились в самой сущности христианского учения, но особенно занимали умы в эпоху Средних веков, когда под влиянием тяжёлых условий жизни воображению простодушно верующих смерть представлялась суровой карательницей злых и благодетельницей добрых и притеснённых, открывающей для них двери в другой, лучший мир. Мысли о смерти и о тщете всего земного получили особенно широкое распространение в народных массах около конца X века, когда ожидалось близкое наступление кончины мира. Вероятно, около того же времени явились первые попытки народной словесности облечь эти мысли в поэтические, образные формы. Впоследствии, в годы моровых поветрий и других общественных бедствий, такие попытки учащались и приводили к сочинению более сложных и замысловатых аллегорий. Вначале смерть олицетворялась то в виде земледельца, поливающего поле человеческой жизни кровью, то в виде могущественного царя, ведущего беспощадную войну с людским родом, и тому подобного.

Скелеты танцуют и играют на инструментах в средневековой сцене, вдохновленной композицией Камиля Сен-Санса.,радио Реактор,пляска смерти,Франция,страны,средневековье,композитор,Камиль Сен-Санс,1874,Классическая музыка,ксилофон

Позже в содержании подобных сочинений начинает преобладать горький юмор: смерть изображается, например, ловким шулером, наверняка обыгрывающим всякого партнера, или водителем хоровода, в котором невольно участвуют люди всех возрастов, званий и состояний, или злорадным музыкантом, заставляющим всех и каждого плясать под звуки своей дудки. Такие иносказания пользовались большой популярностью и так как по заключавшемуся в них назидательному элементу могли служить к укреплению религиозного чувства в народе, то католическая церковь ввела их в круг мистерий и допустила их изображения на стенах храмов, монастырских оград и кладбищ. Драма и танцы были в ту пору неразрывно связаны между собой; этим объясняется происхождение названия Пляски смерти. В простейшем своём виде она состояла из краткого разговора между смертью и 24 лицами, разделённого по большей части на четверостишия. Представления этого рода во Франции были в большом ходу в XIV веке. По-видимому, в них выводились на сцену семь братьев-Маккавеев, их мать и старец Елеазар (II кн. Маккав., гл. 6 и 7), вследствие чего явилось название «Маккавеевская Пляска», потом превратившееся в «Danse macabre». Быть может, впрочем, название Маккавеевской произошло от того, что представление Пляски смерти первоначально совершалось в день памяти перенесения мощей Маккавеев в 1164 году из Италии в Кёльн. Лицевые изображения Пляски смерти на стенах парижского кладбища des Innocents существовали уже в 1380 году. Картины обыкновенно сопровождались виршами, соответствовавшими содержанию представленных сцен.

С начала XV века Пляска смерти стала всё чаще и чаще воспроизводиться не только в живописи, но и в скульптуре, в резьбе по дереву, на коврах и (с 1485 года) в книжных иллюстрациях. Из Франции любовь к изображениям и стихотворным объяснениям Пляска смерти перешла в Англию и — как указывает на то одно место в Дон-Кихоте Сервантеса — в Испанию. Нигде не привилась она так сильно, как в Германии.

Автор нашей сегодняшней музыки, Камиль Сен-Санс написал свою симфоническую поэму, вдохновившись стихотворением своего современника, поэта-символиста Анри Казалиса. В этом стихотворении поэт описывает ночные кладбищенские танцы скелетов под аккомпанемент скрипача — Смерти. Примечательно, что произведение Казалиса иронично названо «Равенство, братство», а к традиционному сюжету плясок и ужаса добавлены эротические мотивы (сцена с влюблённой парочкой). Первоначально композитор ещё в 1873 году написал романс на это стихотворение, а в 1874 году расширил свой замысел и написал уже симфоническую поэму на этот сюжет. Строки стихотворения Казалиса предпосланы партитуре в качестве программы.

Музыкальными средствами в симфонической поэме композитор отразил сюжет стихотворения посредством своеобразного «диалога» солирующей скрипки, на которой в ритме вальса играет Смерть, и ксилофона, символизирующего звук костей танцующих скелетов, под аккомпанемент виолончелей и контрабасов, которые звучат всё громче и громче. Под необычный вальс (скрипка сопровождает его мелодию изобретательными фигурациями) встают из гробов покойники и танцуют. Внезапно петух предвещает зарю (мотив у гобоя). Необычное колористическое звучание создаётся благодаря искусной гармонизации, и большая роль в данной поэме отводится редко использовавшемуся до того времени ксилофону: его звучание позволяет представить, как гремят кости мертвецов.

Итак, Камиль Сен-Санс и его поэма Danse macabre (Op. 40) на радио Реактор.

И с ксилофонами, естественно.

И на баяне.

OP-01

3 мec.

радио РеакторКлассическая музыкакомпозитормузыка БароккоМузыка из игрИгрыFallout 4Falloutфэндомыбарокко...

Доменико Скарлатти и Соната фа минор, К 19

Доброго вечера, реакторослушатели.

Сегодня в нашем эфире гость, который уже у нас бывал. Напомним его биографию.

Джузе́ппе Доме́нико Скарла́тти (Giuseppe Domenico Scarlatti; 26 октября 1685, Неаполь — 23 июля 1757, Мадрид) — итальянский композитор и клавесинист; провёл бо́льшую часть своей жизни в Испании и Португалии. Его сочинительский стиль оказал большое влияние на музыку эпохи классицизма, хотя он сам жил в эпоху барокко. Сын Алессандро Скарлатти; брат Пьетро Филиппо Скарлатти и племянник Франческо Скарлатти.

Композитор в барочном наряде держит ноты и опирается на клавесин.,радио Реактор,Классическая музыка,композитор,музыка Барокко,Музыка из игр,Игры,Fallout 4,Fallout,Фоллаут,фэндомы,барокко,XVIII век

Сын А. Скарлатти. В детстве занимался под руководством отца. Позже учился у Ф. Гаспарини и, вероятно, у Б. Паскуини, но более непосредственное воздействие на него оказали Б. Марчелло, Ф. Дуранте, а также португальский композитор Ж. А. К. Сейшас, у которых Скарлатти заимствовал отдельные элементы стиля и клавесинной техники.

С 1701 органист и композитор Неаполитанской королевской капеллы. В 1705 переехал в Венецию, в 1708 — в Рим, где вначале находился на службе у польской королевы-изгнанницы Марии Казимиры (писал оперы для её домашнего театра), а затем работал в соборе св. Петра (с 1713 помощник капельмейстера, с 1714 капельмейстер). В Риме общался с членами академии «Аркадия», сблизился с Г. Ф. Генделем (соревновался с ним как исполнитель на органе и клавесине), приобрёл славу клавесиниста-виртуоза. В 1719 покинул Ватикан и вскоре занял должность учителя при дворе португальского короля в Лисабоне (обучал инфанту Марию Барбару игре на клавесине). По-видимому, только в Португалии Скарлатти начал регулярно сочинять клавесинные пьесы.

В 1720 поклонник таланта Скарлатти ирландский органист T. Розенгрейв поставил в Лондоне его оперу «Нарцисс». Сведений об участии в этой постановке самого автора не сохранилось, поэтому данные ряда биографов Скарлатти о пребывании его в Лондоне лишь предположительны. Кроме того, в 1720 началась его деятельность в Лисабоне. В 1724 Скарлатти ненадолго вернулся в Италию, но с 1729 окончательно связал свою творческую судьбу со службой у Марии Барбары, ставшей испанской королевой. Все последующие годы Скарлатти провёл в Испании, сначала в Севилье, а затем, в основном, в Мадриде.

Историческое значение Скарлатти определяется главным образом клавирными сочинениями, созданными в Испании. Его оперы, светские и духовные вокальные произведения отмечены печатью таланта, но в целом не возвышаются над уровнем аналогичных сочинений др. композиторов той эпохи. В клавирной же музыке Скарлатти оказался подлинным новатором. В области клавесинной техники он применил многое из того, что композиторы-пианисты 19 в. считали своим открытием: изобретательность в инструментальных пассажах и фигурациях, технику martellato и двойных нот, глиссандо, репетиции, трели, перекрещивание рук, труднейшие скачки. Все эти приёмы использовались Скарлатти задолго до произведённой композиторами-романтиками революции в области фортепианной техники.

Скарлатти написал 555 сочинений для клавишных инструментов, преимущественно для клавесина, частично для органа и, вероятно, для раннего фортепиано. При жизни Скарлатти опубликованы немногие его произведения, в т. ч. сб. «Упражнения» из 30 сонат («Essercizi», 1738), в которых впервые проявилась неповторимая творческая индивидуальность композитора. Основная часть наследия сохранилась в виде сборников рукописей (ныне хранятся в архивах и библиотеках Венеции, Пармы, Мюнстера и Вены).

Большинство сочинений Скарлатти носит обобщённое название sonata (в данном случае как инструментальная пьеса), иногда оно заменяется более конкретными заголовками Fuga, Pastorale, Aria, Capriccio, Minuet или Minuetto, Gavotta, Giga, Toccata. Среди ранних произведений — многочастные сонаты (с basso continuo) и миниатюрные 2-частные сюиты. Все последующие сонаты Скарлатти — одночастные. Однако американский музыковед Р. Киркпатрик в своём исследовании (1953) обратил внимание на попарное расположение сонат (по принципу общности тонального центра) в прижизненных рукописях Скарлатти. Это позволило ему высказать предположение об их задуманной цикличности.

По его мнению, около 390 сонат группируются попарно (ещё 12 образуют т.н. триптихи), что подтверждается рядом признаков: типичным соотношением размеров (чаще alla breve — 3/8 или 6/8), нарастанием темпов от умеренного или быстрого к быстрому или очень быстрому, наличием интонационно-тематических связей (напр., сходством начального материала). Эти особенности характерны для старинной итальянской 2-частной сюиты и сохранились в той или иной мере в 2-частных сонатных циклах композиторов итальянской школы. Каждая отдельная соната Скарлатти обычно написана в 2-частной форме, типичной для танцев старинной сюиты.

Скарлатти исчерпал возможности этой формы, наполнив её огромным динамизмом движения, развития, сопоставления контрастных тематических элементов, разнохарактерных образов. Наиболее разработанные сонаты Скарлатти — предвестники классического сонатного allegro, хотя исторически они, по-видимому, не сыграли той роли, которую им обычно приписывают исследователи: музыка Скарлатти надолго была забыта и возродилась в Европе лишь после смерти Л. Бетховена (в 1839 Хаслингер издал 200 сонат Скарлатти под редакцией К. Черни), вряд ли повлияв, таким образом, на композиторов венской классической школы.

Музыка Скарлатти тяготеет к новому гомофонному стилю, хотя элементы полифонии ещё сохраняют в ней существенную роль. Гармонический язык Скарлатти отличается свежестью, изысканностью, незаурядной техникой модулирования, порой он применял смелые и необычные для 18 в. резкие гармонии. Извлекая из клавесина различные коллористические эффекты, Скарлатти зачастую нарушает общепринятые нормы голосоведения: применяет параллельные квинты, оставляет без разрешения диссонирующие интервалы и аккорды. Феноменальным явлением следует считать встречающиеся в произведениях Скарлатти аччаккатуры (см. Acciaccatura), при которых образуются аккорды, состоящие из нанизанных друг на друга секунд. Это явление связано с особой манерой игры испанских гитаристов. Скарлатти использовал почти все тональности квинтового круга (21 из 24). Чаще своих современников он прибегал к минору.

Круг образов музыки Скарлатти весьма широк, разнообразны также её жанрово-образные истоки. Они коренятся не только в итальянской комической опере и комедии дель арте, в неаполитанских, венецианских и сицилийских мелодиях, но и в музыкальной культуре Испании с её блестящими певцами и танцорами, с её феерическими празднествами, театральными представлениями, уличной сутолокой городов, древними андалусскими мотивами, цыганскими ансамблями, мандолинами, гитарами, кастаньетами, военными рожками, провинциальными духовыми оркестрами. Особое значение Скарлатти в истории музыки 18 в. состоит в том, что он сумел преодолеть ограниченность своего положения придворного музыканта, смело претворяя в своих сочинениях приёмы народного музицирования.

Скарлатти опирался в основном на танцевальные жанры. Он охотно обращался к менуэту, жиге, сицилиане, бурре, почти отказавшись от архаичных аллеманды, куранты, сарабанды, гавота. Однако многие сонаты можно охарактеризовать как тарантеллу, форлану, хоту, фанданго, сегидилью, сардану, сапатеадо, павану, тонадилью, контрданс. Творчество Скарлатти искрится юмором, радостным ощущением жизни, но оно не лишено и тонкого лиризма, меланхолии, страстности и даже драматизма. Распространённое ещё недавно представление о Скарлатти как о композиторе, склонном лишь к пасторальности или изящно-виртуозной токкатности буффонадного плана, уступает место более углублённому и разностороннему взгляду на его творчество.

Сегодняшнюю нашу музыку реакторослушатели могли услышать в Fallout 4 на Радио Классика.

Итак, Джузеппе Доменико Скарлатти и Соната фа минор, К 19

OP-01

6 мec.

радио РеакторкомпозиторсюитаКлассическая музыкапланетыМеркурийвенераМарсюпитерсатурн...

Планеты Густава Холста

Здравствуйте, реакторослушатели.

Сегодня у нас в эфире немножко космоса.

Густав Холст (Gustav Holst), при рождении Густавус Теодор фон Холст[5] (Gustavus Theodore Von Holst; 21 сентября 1874, Челтнем — 25 мая 1934, Лондон) — английский композитор и педагог. Писал в различных жанрах, наиболее известное сочинение — оркестровая сюита «Планеты».

Густав Холст создал собственный (однако не новаторский) композиционный стиль, который был продуктом влияний многих композиторов, в частности Рихарда Вагнера и Рихарда Штрауса. Последующее воодушевление возрождением английской народной песни в начале XX века и пример восходящих композиторов-современников (в том числе Мориса Равеля) привели Холста к разработке и усовершенствованию своего индивидуального стиля.

Будучи блестящим педагогом, композитор стал пионером музыкального образования для женщин.

Мужчина в очках и формальной одежде опирается головой на руку, выражая задумчивое настроение.,радио Реактор,композитор,сюита,Классическая музыка,планеты,Меркурий,венера,Марс,юпитер,сатурн,уран,Нептун,Музыка из игр,Игры,Fallout 4,Fallout,Фоллаут,фэндомы,космос

Происходил из семьи с давними музыкальными традициями (бабушка, отец, дед и прадед были пианистами). Служил органистом, дирижировал симфоническим оркестром на родине. Окончил по классу тромбона лондонский Королевский музыкальный колледж, где изучал также композицию под руководством Ч. Станфорда (с 1893). В 1898–1903 1-й тромбонист в «Карл-Роза опера-компани».

С 1903 преподаватель и директор различных начальных и средних музыкально-учебных заведений Лондона, в т. ч. Морли-колледжа, в 1919–23 профессор композиции Королевского музыкального колледжа. В 1932 читал курс лекций в Гарвардском университете (США). В 1905 (под влиянием Р. Воана-Уильямса) начал изучение английской народной песни; в ранних сочинениях использовал национальный музыкальный фольклор.

В 1910-х гг. обратился к музыкальной культуре Востока (изучал санскрит в Школе восточных языков, 1906–11). В 1918–19 посетил города Малой Азии. Наряду с хоровыми циклами на слова Дж. Китса и других английских поэтов, а также У. Уитмена писал вокальные сочинения на собственные переводы из «Ригведы» и на слова Калидасы и других индийских поэтов.

На собственные либретто по мотивам индийского эпоса «Рамаяна» и «Махабхарата» создал оперы «Сита» (осталась в рукописи; 1900–06, в духе вагнеровских музыкальных драм) и «Савитри» (1908, камерная), многие мелодии которых выдержаны в переменных размерах — 5/4 и 7/4 (это связано с использованием прозаического английского текста). Увлечение экзотикой проявилось также в оркестровой сюите «Бени Мора», отразившей впечатления от поездки в Алжир. В то же время сумрачность и некоторая суровость музыки роднит сочинения Холста с произведениями «поэтов Севера» — Я. Сибелиуса и Р. Воан-Уильямса.

Наиболее известные произведения Холста — симфоническая сюита «Планеты» и «Гимн Иисуса» (для 2 хоров с оркестром), в которых проявляется характерный для него синтез традиционных и новаторских тенденций. Их отличает стремление к классической ясности и уравновешенности, использование национального фольклора, а также форм старинной музыки (мотеты, мадригалы 16 в.); в то же время Холст применяет в них сложные ритмы, полигармонические комплексы и приёмы современной красочной оркестровки (ощутимо влияние сочинений И. Ф. Стравинского).

Наряду с произведениями, в которых Холст проявил себя как искусный полифонист (в фугированной увертюре, 1922, и фугированном концерте для флейты, гобоя и струнных, 1923), он создал ряд хоров (ок. 50) с простой фактурой, рассчитанных на исполнение школьными, рабочими и др. любительскими коллективами (в 1916 основал хор в Морли-колледже, выступавший перед рабочей аудиторией).

Сегодня у нас в эфире «Планеты» (The Planets) Op. 32 — симфоническая сюита Густава Т. Холста, написанная в 1914—1916 годах.

Концепция работы астрологическая, а не астрономическая (именно поэтому Земля, наряду с Солнцем и Луной, не включена в неё, несмотря на присутствие нетрадиционных тогда Урана и Нептуна)-(однако с этим можно поспорить, так как астрология (и западная, и ведическая) предусматривает Луну и Солнце): каждая часть сюиты предназначена для передачи идей и эмоций, связанных с влиянием планет на психологию человека, а не римских божеств. Идея работы была предложена Холсту Клиффордом Баксом, познакомившим его с астрологией, когда они были частью небольшой группы английских художников, отдыхавших на Майорке весной 1913 года; Холст стал приверженцем этой псевдонауки и ради забавы составлял гороскопы для своих друзей. Холст также использовал книгу Алана Лео «Что такое гороскоп?» («What is a Horoscope?») в качестве опоры для собственных идей, а также для названий частей произведения.

Сюита состоит из семи частей, каждая из которых названа в честь планеты и имеет соответствующий астрологический характер:

«Марс, вестник войны» («Mars, the Bringer of War», 1914)

«Венера, вестник мира» («Venus, the Bringer of Peace», 1914)

«Меркурий, крылатый посланник» («Mercury, the Winged Messenger», 1916)

«Юпитер, приносящий радость» («Jupiter, the Bringer of Jollity», 1914)

«Сатурн, вестник старости» («Saturn, the Bringer of Old Age», 1915)

«Уран, волшебник» («Uranus, the Magician», 1915)

«Нептун, мистик» («Neptune, the Mystic», 1915)

По ряду причин, было предпринято несколько попыток различных композиторов добавить музыку в сюиту Холста, хотя на сегодняшний день самой распространённой, исполняемой в концертном зале и на записи, остаётся оригинальная версия из семи частей.

Плутон был открыт в 1930 году, за четыре года до смерти композитора, и был провозглашён астрономами девятой планетой. Однако, автор «Планет» не выразил интереса в написании части про новую планету. Он разочаровался в популярности сюиты, полагая, что она перенимает на себя слишком много внимания в ущерб другим его работам.

Интересный факт - Джон Уильямс использовал мелодии и инструментовку «Марса, вестника войны» в качестве основы для своих саундтреков к фильмам «Звёздные войны» (в частности, вдохновлённый этой частью «Имперский марш»).

Часть «Марс, вестник войны» можно было услышать в игре Fallout 4 на радио Классика.

OP-01

10 мec.

радио РеакторкомпозиторГерманияромантизммузыка романтизмаопераарияКлассическая музыкасделкамузыка из аниме...

Карл Мария фон Вебер и сделка с нечистью.

Доброго вечера, мои дорогие реакторослушатели.

На связи снова пиратское радио Реактор.

И сегодня у нас в гостях один из основоположников немецкой романтической оперы.

Барон Карл Мария Фридрих Август (Эрнст) фон Вебер (Carl Maria von Weber; 18 или 19 ноября 1786 г., Ойтин — 5 июня 1826 г., Лондон) — немецкий композитор, дирижёр, пианист, музыкальный писатель, вместе с Гофманом является основоположником немецкой романтической оперы, предшественник Вагнера.

Молодой мужчина в формальной одежде эпохи романтизма задумчиво позирует на фоне спокойного пейзажа.,радио Реактор,композитор,Германия,страны,романтизм,музыка романтизма,опера,ария,Классическая музыка,сделка,музыка из аниме

Карл Мария Фридрих Эрнст фон Вебер родился 18 ноября 1786 года в Эутине. Отец мечтал о музыкальной карьере сына и всячески способствовал занятиям музыкой. Семья много переезжала, но в каждом новом городе для Карла всегда находили учителей. Первое произведение он написал в Зальцбурге под руководством Михаэля Гайдна, оно было опубликовано и получило положительные отзывы в прессе. В 1798 году умерла мать Вебера. Семья снова переезжает, на этот раз в Мюнхен. Здесь Карл написал первую оперу «Сила любви и вина». Через два года во Фрайбурге состоялась премьера оперы «Лесная девушка». Отец пытался отдать сына в ученики к Йозефу Гайдну, но тот отказался.

Благодаря успехам в дирижировании в 1804 году Вебер возглавляет театральный оркестр в городе Бреслау. Под его руководством оркестр претерпевает некоторую реформацию: Карл по-новому рассаживает оркестрантов, назначает отдельные репетиции ансамблей для разучивания новых партий, вмешивается в постановки, а также вводит генеральные репетиции. Эти изменения были приняты музыкантами и публикой неоднозначно. Вскоре после несчастного случая, когда Вебер отравился кислотой, противники его реформы вернули всё на прежние места.

16 сентября 1810 года во Франкфурте с успехом прошла премьера его оперы «Сильвана». Воодушевленный, он пишет «Абу Гасан», а спустя полгода отправляется в концертное турне. В апреле 1812 года, находясь в Берлине, Вебер узнает о смерти отца. Здесь он пишет клавирную музыку и занимается переработкой «Сильваны». В следующем году, во время визита в Прагу, ему предлагают возглавить городской театр. Без долгих колебаний он соглашается, для него это была отличная возможность реализовать свои идеи и рассчитаться с долгами. 19 ноября 1816 года Вебер объявляет о своей помолвке с Каролиной Брандт. Вдохновленный этим событием он пишет две фортепианные сонаты, концерт для кларнета и фортепиано, а также несколько песен.

В 1817 году Вебер был приглашен на пост музыкального директора дрезденской немецкой оперы. 4 ноября он женился на Каролине Брандт. В Дрездене он пишет свое лучшее произведение – «Вольный стрелок». Однако работа над оперой продолжалась долгий период. Она была омрачена смертью маленькой дочери композитора и болезнью жены. К тому же у Вебера было много заказов, с которыми он едва справлялся. Премьера «Вольного стрелка» состоялась 18 июня 1821 года в Берлине. Вебера ждал успех. Бетховен, восхищенный музыкой, сказал, что Вебер отныне должен писать только оперы.

В это время прогрессирует болезнь легких композитора. В 1823 году он заканчивает оперу «Эврианта», которая тоже весьма успешно была принята зрителем, а затем, во время упорной борьбы со своим недугом, пишет «Оберон». Премьера прошла в Лондоне с небывалым успехом. В истории столичной сцены такое было впервые – композитора попросили на сцену.

Карл Мария фон Вебер умер в Лондоне 5 июня 1826 года.

Сегодняшняя наша музыка была написана в 1817 годы и повествует о сделке с нечистой силой, раскаянии и любви.

Без лишних слов, Карл Мария фон Вебер и его опера Der Freischütz ("Вольный стрелок" или "Волшебный стрелок"). И дополнительно два фрагмента из нее.

"Mein Sohn, nur Mut"

"Chor der Jäger"

OP-01

10 мec.

радио РеакторКлассическая музыкакомпозиторИталияопераарияшутпаяцЭнрико Карузогрусть...

Руджеро Леонкавалло и Канио.

Доброго вечера, мои дорогие реакторослушатели.

В эфир снова вышло пиратское радио Реактор и сегодня у нас в гостях композитор.

Руджеро Леонкавалло (Ruggero Leoncavallo; 23 апреля 1857, Неаполь — 9 августа 1919, Монтекатини-Терме) — итальянский композитор.

Leoncavallo / Ругьерио Леонкавалло, итальянский композитор, запечатлен в формальном портрете в шляпе и костюме.,радио Реактор,Классическая музыка,композитор,Италия,страны,опера,ария,шут,паяц,Энрико Карузо,грусть,грустнота

Руджеро Леонкавалло (Ruggero Leoncavallo) родился в 1857 году в Неаполе, Италия (Naples, Italy). Его отец был представителем судебных властей, мать была родом из семьи неаполитанских живописцев и скульпторов. Музыкой будущий композитор начал заниматься в родном городе, а в возрасте 8 лет он уже поступил в консерваторию. К 16 годам Руджеро получил диплом; за этим последовала учеба в университете на факультете филологии.

Примечательно, что успех к признанному впоследствии по всему миру композитору пришел далеко не сразу и легко ему не достался. Так, он много работал - давал уроки музыки, выступал в кафе-шантанах, писал песенки для мюзик-холлов, однако все это всего лишь давало Леонкавалло возможность жить. Он же желал успеха и признания – особенно его вдохновлял пример молодого композитора Пьетро Масканьи (Pietro Mascagni) и его внезапная слава с оперой 'Сельская честь' ('Cavalleria rusticana') в 1890 году.

Так, по примеру Масканьи, Руджеро решил писать только оперу – и только в новом стиле, веризме. 'Музыкальная драма должна художественно отображать только жизненную правду' - считал молодой амбициозный композитор. Помимо оперы Масканьи, ориентиром для Леонкавалло была также опера Бизе (Bizet) 'Кармен' ('Carmen') и оперы Верди.

Раздумывая над сюжетом своего будущего шедевра, Ленкавалло решил строить свою оперу на основе правдивой истории, которая запала ему в душу с подросткового возраста: камердинер влюбился в артистку-гастролерку; итогом запретной любви стало двойное убийство - муж артистки, застав влюбленных, убил и жену, и ее героя.

Через пять месяцев работа была готова, а 21 мая 1892 года в театре Teatro Dal Verme в Милане (Milan) прошла премьера оперы 'Паяцы' ('Pagliacci'), успех которой был настолько же быстрым, насколько и оглушительным. Примечательно, что ставилась опера под руководством молодого маэстро Тосканини (Arturo Toscanini).

На волне успеха 'Паяцы' появились сразу на всех сценах Европы. Вскоре обе новые оперы – 'Сельская честь' Масканьи и 'Паяцы' Леонкавалло триумфально шли по всему миру, возвещая о приходе нового стиля – веризма – в привычный оперный формат.

Кстати, многие критики отметили тогда и незаурядные литературные способности Леонкавалло – именно этим многие объясняли настолько большой успех 'Паяцев'.

Рассказывают забавный случай, происшедший на премьере 'Паяцев':

В зал вошел весьма странный зритель, сильно контрастировавший с нарядной оперной публикой, - в пыльной одежде всадника, в высоких сапогах со шпорами. В антракте Леонкавалло подошел к нему и, веждиво поклонившись, сказал:

- Сударь, благодарю вас от всей души!

- За что? - спросил загадочный зритель.

- За то, что вы не привели на мою оперу еще и своего коня! – ответил композитор.

Удивительно, что после 'Паяцев' композитор создал еще 19 опер, но ни одна из них не возымела успеха, даже близко не приблизившись к успеху его первого детища. Леонкавалло пробовал писать свои оперы в разных жанрах – он создавал исторические драмы, драматические трагедии, комические оперы, оперетты и веристские оперы, однако капризная Фортуна все обходила его стороной.

Среди музыкального наследия Руджеро Леонкавалло – 'Роланд из Берлина' ('Der Roland von Berlin') 1904, 'Медичи' ('I Medici') 1888, 'Королева роз' ('La reginetta delle rose') 1912, 'Первый поцелуй' ('Il primo bacio') 1923, 'Богема' ('La bohème') 1896 и 'Заза' ('Zazà') 1900. Кстати, из всех перечисленных, только 'Заза' пользовалась некоторым успехом, который, конечно же, все же не шел ни в какое сравнение со шквальным успехом 'Паяцев', которые и до сих пор с огромным успехом идут на оперных сценах по всему миру.

Кроме того, Леонкавалло написал и целый ряд симфонических произведений, пьес для фортепиано, романсов и песен. Но, как бы ни было, только лишь 'Паяцы' получили признание публики, и только с этой оперой ассоциируется имя композитора до сих пор.

Руджеро Леонкавалло умер 9 августа 1919 года, произошло это в Монтекатини-Терме (Montecatini Terme, Tuscany).

Известно, что в последние годы своей жизни Леонкавалло очень увлекся идеей создания некой национальной музыкальной драмы, в основе которой он решил использовать народный песенный материал. Впрочем, смерть музыканта прервала его большие планы.

И сегодня у нас частичка шедевра нашего гостя - ария Канио из опера "Паяцы".

Да, та самая где:

"...Смейся, Паяц,

Над разбитой любовью,

Смейся, Паяц, ты над горем своим!"

В исполнении Энрико Карузо.

В переводе в исполнении Алексея Стеблянко

Здесь мы собираем самые интересные картинки, арты, комиксы, мемасики по теме Классическая музыка (+64 постов - Классическая музыка)